Amigos: A partir del primer día de 2015, comenzarán a emitirse los microprogramas: "Letra y Música" en Planet FM 99.5 Pinamar, donde -una vez más- estaré haciendo temporada de verano.
Será un recorrido por las mas emblemáticas canciones de las últimas décadas intentando explicar cómo y por qué fueron hechas.
Desde ya, les agradezco la gentileza de escuchar y les comunico la creación de un nuevo blog que pretende ser una extensión del aire:

letraymusicafm.blogspot.com 

La dirección de la radio para escucharla desde cualquier lugar del mundo:

planetmusic.fm

 

Fallecimiento del locutor Raúl Horacio Maurette

En el día de la fecha (Martes 27 de Agosto de 2013) a la edad de 70 años falleció el locutor Raúl Horacio Maurette. De dilatada actuación en emisoras de Capital Federal, entre ellas Radio Rivadavia, Continental, Mitre y otras. Fue principal figura en los comienzos de LS10 Radio del Plata, en la que ocupó el cargo de director artístico. En 1989 se radicó en Mar del Plata actuando en LU6 Radio Atlántica, y LU9 Radio Mar del Plata; realizando programas de gran éxito como "El Puente", y "El Laberinto". También incursionó como escritor, y fue el gestor de gran cantidad de programas radiales. Fue directivo de la Sociedad Argentina de Locutores, Seccional Mar del Plata, durante tres períodos, acogiéndose a la jubilación en el mes de junio de 2011, cuando era locutor de Canal 10 de Mar del Plata.

LA SECCIONAL MAR DEL PLATA DE SAL, HACE LLEGAR UN FRATERNAL ABRAZO A SUS FAMILIARES, ESPECIALMENTE A SU SEÑORA ESPOSA, COMPAÑERA LOCUTORA CRISTINA VECHIONE, A QUIEN ACOMPAÑAMOS CON PROFUNDO SENTIMIENTO. 
ALBERTO SOLARI- SECRETARIO GENERAL

El informe del Cro. de SAL nos deja con la mirada perdida en la pantalla de la computadora.  Como siempre, terminamos explicando quién era el que se fue para entender quienes somos los que quedamos. HM era un locutor del carajo. De esos que uno quiere imitar, inevitablemente.
Por estilo, por voz, por talento. Un capo. Como otros tantos que nos enseñaron todo. Algunos de lejos, escuchándolos y otros de cerca, sentaditos al lado.                                                   
Qué lástima que se vayan así, casi pidiendo permiso para no joder... con tanto infelíz que nos arruina la oreja diaramente!
Perdón por la bronca pero es que ya me hincha las pelotas la ley de medios que se caga en nosotros, los martín fierro (si, en minúscula) de compromiso para la radio, los sueldos miserables, las deplorables condiciones de trabajo y el deterioro de la profesionalidad ante la invasión de "institutos habilitantes".
Somos muchos (sino todos) los que nos metimos al ISER gracias a tipos como éste.

ADELE

Adele Laurie Blue Adkins, más conocida como Adele, llegó al mundo de la música de una manera honesta: en 2006, la discográfica británica de moda XL Recordings, la contrató luego de escuchar un demo de tres canciones que un amigo de la cantante posteó en MySpace.
En los siguientes dos años, fue elegida por los críticos para ganar los Brit Awards y rotulada por la BBC como el "Sonido de 2008". Un año más tarde, no sólo derrotó a los Jonas Brothers y Duffy como mejor artista nuevo en los Grammy, sino que inició su gira mundial para presentar su álbum debut "19" con un show de localidades agotadas en el célebre Hollywood Bowl de Los Angeles. Ese álbum de 2008 vendió casi 2 millones y medio de copias en todo el mundo y convirtió a esta flamante graduada de la escuela de artes de Londres en una de las más brillantes estrellas del pop inglés. Adele confiesa que la mayor inspiración para hacer "21" vino del country y la música nativa que solía escuchar mientras realizaba sus shows en EE.UU. destacando a Lady Antebellum y Wanda Jackson como sus principales influencias. Casi todas las letras de las canciones del nuevo disco refieren a la única decepción amorosa que sufrió entre "19" y "21", especialmente la íntima: "Someone Like You". Según su manager londinense, Jonathan Dickins, esa certeza emocional es lo que la catapultó al éxito: "uno cree cada palabra que sale de la boca de Adele". También hay un sentido de libertad que se deja oir en todo el disco. Este nuevo y sólido trabajo de la joven cantante salió a la venta en los EE.UU. el pasado 22 de febrero a través del sello Columbia Records. Creado por un dream team internacional integrado por compositores y productores de primera línea como Rick Rubin, Paul Epworth, Ryan Tedder y Francis "Eg" White, el álbum profundiza el delicado sonido folk y soul del anterior "19" cuyos cortes "Chasing Pavements" y "Hometown Glory" marcaron el suceso de Adele. Aquí encontramos poderosos giros disco-gospel, marcados blues y R&B al estilo de los '70s.
El primer corte extraído de este flamante trabajo es el single: "Rolling In the Deep" que debutó en el No 2 del chart inglés, en medio de las novedades de Britney Spears con "Hold It Against Me" -#3- y Bruno Mars con "Grenade"-#1-
La última vez que un artista logró colocar en el Top 5 dos singles y dos álbumes al mismo tiempo en los chart británicos fue en Enero de 1964. Aquel año Los Beatles ocupaban los dos primeros lugares de la lista de álbumes con: "With The Beatles" y Please Please Me. Además, eran #2 y #5 respectivamente con los singles: "I Want To Hold Your Hand" y "She Loves You".
El primer single de "21": "Rolling In The Deep", que debutó en el #2 el mes pasado, sube esta semana del 5 al 4. Y también, el cover de Adele del tema de Bob Dylan: "Make You Feel My Love" del mismo álbum, trepa del 25 al 24 en su semana 28 en el chart.
Al tiempo que su álbum "21" comienza su cuarta semana en la cima de la lista de álbumes, su anterior "19" escala del sexto al cuarto lugar.

Hugo Guerrero Marthineitz 1924-2010

Nació en Lima, Perú, el 11 de agosto de 1924. Fue un locutor que realizó casi toda su exitosa y extensa carrera en Argentina, donde fue reconocido como uno de los más innovadores en el medio radial. Censurado en varias ocasiones tanto por gobiernos militares como democráticos, Marthineitz -al que se lo llamó «el peruano parlanchín»- comenzó su carrera en Perú continuando en Chile y Uruguay, pero fue en Argentina donde se convirtió en un locutor famoso y admirado por su particular voz grave y su uso de los silencios. Creó éxitos memorables como: "El Club de los Discómanos"; "Splendid Show" y "El Show del Minuto", sin embargo, su programa más exitoso fue en TV y se llamó: "A Solas". Consistía en entrevistas íntimas a celebridades y personalidades, donde preguntaba sobre todos los temas incluso sexuales, considerados muchas veces tabú por los gobiernos y hasta por la sociedad argentina. Junto a Cacho Fontana, Héctor Larrea y Antonio Carrizo, integra el grupo de los mejores y más reconocidos locutores de radio de la Argentina de las últimas décadas. En 1987 fue galardonado con dos premios Konex en el rubro Comunicación-Periodismo: «Premio Konex de Platino Radial» y «Diploma al Mérito Radial». Como escritor publicó: "De hastío, los gatos y los días" en 1976; "Señoras y Señores, toda esta gente" y "Pasto de Sueños" en 1996. En 2000 se le diagnosticó cáncer de vejiga, que venció exitosamente. En 2007 recibió el Premio Éter a la trayectoria. En su vejez vivió con mínimos ingresos, al borde la indigencia, con la ayuda proporcionada por sus tres hijos —María Gabriela (1963), Diego (1966) y Hugo (1982)—, en un departamento de Buenos Aires del que finalmente fue desalojado en 2009. En septiembre de 2009, el periodista Mauro Viale lo contrató para participar en su programa en Radio Rivadavia. Pero el 7 de mayo de 2010, pelearon a puñetazos en la puerta de la radio, porque Guerrero sostenía que nunca le pagaron un centavo de su sueldo (reclamaba 7000 pesos). Viale le pegó un bofetón, que envió a Guerrero Marthineiz al suelo, desmayado. En julio de 2010 fue internado en un hospital neuropsiquiátrico en estado de desnutrición.

En la mañana del sábado 21 de agosto de 2010, víctima de un paro cardiorrespiratorio, Guerrero Marthineitz falleció a los 86 años en la Hospital de Clínicas de la ciudad de Buenos Aires.

Música!

Cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.

Hoy vamos a hacer memoria para recordar tantos éxitos surgidos del Festival de San Remo.

El Festival de la Canción de San Remo comenzó en el año 1951. Se celebra anualmente en el Teatro Ariston de San Remo (originalmente la sede del festival era el Casino de San Remo), normalmente entre finales de febrero y comienzos de marzo. Con el transcurso de los años, ha cambiado a menudo su fórmula, pero básicamente se trata de una competencia en la que intérpretes de canciones originales e inéditas, compuestas por autores italianos, reciben votos por parte del jurado y del público. Además, el Festival ha servido de inspiración para otro evento musical que involucra a toda Europa: Eurovisión. En las primeras décadas, la temática del Festival era que cada canción fuera interpretada por dos cantantes o agrupaciones, cada uno utilizando su propio estilo y arreglos orquestales, centrando la idea de que se trataba de un concurso de compositores y no de intérpretes. Durante esos años era costumbre que una versión estuviera a cargo de un artista italiano y la otra fuera interpretada por un artista internacional. El Festival lanzó a la fama una gran cantidad de muy famosas y reconocidas voces de Italia, como: Andrea Bocelli, Giorgia, Mietta, Laura Pausini y Eros Ramazzotti. A partir de San Remo surgieron otros que nunca llegaron a opacar su brillo: Canzonissima, Cantagiri, Festivalbar y tantos más. Por otra parte, a lo largo de los años, San Remo se ha convertido en uno de los principales eventos mediáticos de la televisión italiana, que no para de producir debates y polémicas en todas sus ediciones. La próxima -2010- será la número 60!

Una mirada a esta música para el fin de semana...

Música!

Como cada viernes, recomendamos algo de música para disfrutar durante el fin de semana.

Hoy: Ray Charles.

Nacido el 23 de septiembre de 1930, este cantante y pianista de soul, R&B y jazz, de Georgia (EEUU), nació y se crió en Albany y perdió la vista durante su infancia a causa de un glaucoma. Fue autodidacta del piano pero también recibió clases de música en braille cuando era chico. Paralelamente, tuvo que ganarse la vida como músico cuando fallecieron sus padres.

A finales de los años '40, Ray Charles consigue colocar un disco en las listas de su país y en 1951 obtiene su primer Top Ten, gracias al hit: "Baby, Let Me Hold Your Hand".

Fue criticado por cantar canciones gospel con letras populares, aunque hay una gran tradición en los EE.UU., de poner letras religiosas a canciones populares. Después de una aparición en el Newport Jazz Festival logró un éxito importante en 1959 con su canción más popular: "What'd I Say". La esencia de esta fase de su carrera se puede escuchar en su álbum en vivo Ray Charles en Persona, grabado ante una gran audiencia afroamericana en Atlanta aquel mismo año.

Charles comenzó a ir más allá de los límites de su síntesis blues-gospel mientras seguía con Atlantic que ahora lo llamaba El Genio. Grabó con muchas orquestas y muchos artistas de Jazz como Milt Jackson e incluso hizo su primer cover de música country. Luego cambió de discográfica al mudarse a ABC Records. Allí, Charles tuvo mucho control sobre su música y extendió su enfoque no en proyectos laterales experimentales sino con música pop, dando como resultado la canción "Unchain My Heart" y el número 1 en los listados de Billboard, "Hit the Road, Jack". Ya en 1962, sorprendió a su nueva audiencia extranjera con el importante álbum: "Modern Sounds in Country and Western Music", que incluye los temas "I Can't Stop Loving You" y "You Don't Know Me". A éste le siguió una serie de éxitos, incluyendo "You Are My Sunshine", "Crying Time", "Busted" y "Unchain My Heart".

En 1961, Charles había cancelado un concierto programado en el Bell Auditorium en Augusta (Georgia) para protestar por las ubicaciones segregadas. Y en 1965 fue arrestado por posesión de heroína, droga a la que fue adicto durante 17 años. Aquel fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en Los Ángeles. Pasó un año en libertad condicional y siguió trabajando.

Después de 1970, Charles cristalizó lo que sería un éxito o su fracaso, con algunos éxitos populares y trabajos aclamados por la crítica y alguna otra música que fue desechada por tildarse como copia. Se concentró entonces en espectáculos en vivo, aunque su versión de "Georgia on My Mind", una canción originalmente escrita para una chica llamada Georgia, fue un éxito y de inmediato proclamada como la canción por excelencia de Georgia el 24 de abril de 1979, con la aparición de Charles en el piso de la legislatura del estado.

En 1980 Charles hizo una breve aparición en la película de los Blues Brothers. En 1986 colaboró con Billy Joel en "Baby Grand" para el álbum: "The Bridge" y también participó en U. S. A. for África junto a Michael Jackson y otros grandes del pop de los EE.UU. También apareció muchas veces en la célebre serie The Nanny, de gran éxito en Argentina.

Los años '80 y '90 acrecentaron la popularidad de Ray Charles en todo el mundo.

En 2004 Charles realizó un álbum de duetos: "Genius Loves Company", que tuvo varias nominaciones a los premios Grammy. Con ese trabajo ganó en las categorías Mejor Álbum del Año y Canción del Año por su dúo con Norah Jones: "Here We Go Again".

Ray Charles falleció a la edad de 73 años, el 10 de junio de 2004 en su casa de California. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.

Ese mismo año 2004 se estrenó la película Ray que narra toda su vida. El film ganó 2 Oscars, incluyendo Mejor Actor y Mejor Banda Sonora y además, estuvo nominada a mejor película. Desde su muerte se han seguido editando recopilaciones e incluso se grabaron algunas canciones por el artista inéditas para el disco de la película. También se ha publicado su autobiografía titulada Brother Ray, que narra su vida de la manera más cercana a la realidad posible.

Entre todos los cantantes de R&B, Charles ha sido reconocido como el mejor cantante masculino y como la segunda mejor voz de todos los tiempos, sólo superado por Aretha Franklin.

Una mirada a esta música para el fin de semana...

Música!

Les Luthiers: Origen y Trayectoria

A comienzos de los años 60, se desarrollaba en la Argentina una intensa actividad coral universitaria. Todos los años se realizaban festivales corales nacionales, cuya sede iba rotando entre distintas ciudades. Duraban una semana y representaban un importante acontecimiento cultural.
En 1965, el joven arquitecto Gerardo Masana, quien cantaba en el coro de la facultad de Ingeniería de la Universidad de Buenos Aires, compuso la Cantata Modatón, cuya letra estaba basada en el prospecto de un laxante.
La idea era estrenar esa obra en el encuentro que se realizaría ese año en la ciudad de Tucumán, como parte de las humoradas informales que solían hacer los estudiantes para amenizar el cierre de los festivales. Se trataba de divertir a la audiencia con la parodia de una cantata al estilo de Johann Sebastian Bach, interpretada por solistas, coro y una orquesta de exóticos instrumentos construidos por los mismos estudiantes.
La Cantata Modatón –que más adelante pasaría a llamarse Laxatón- reunió por primera vez en un escenario a cinco futuros integrantes de Les Luthiers: Marcos Mundstock, Daniel Rabinovich, Carlos Núñez Cortés, Jorge Maronna –de sólo 17 años- y Gerardo Masana, autor e impulsor del proyecto.
El éxito fue rotundo; nadie esperaba semejante despliegue de originalidad y talento en un festival amateur. La revista Confirmado publicó un artículo donde resaltó a la Cantata Laxatón como el hecho más destacado del festival.
Poco después, un periodista les ofreció contactarlos con el dueño de un teatro para realizar una serie de funciones. Pero para eso, necesitaban un nombre. Optaron por I Musicisti, parodiando al conjunto barroco italiano I Musici.
¿Música? Sí, claro, fue el título del primer espectáculo de I Musicisti, estrenado en 1966. El mismo fue decisivo para que, poco después, el grupo pudiera ser aceptado en la programación del célebre Instituto Di Tella, un centro cultural de vanguardia cuyas obras, llamadas a revolucionar las concepciones artísticas de la época, causaban una gran polémica.
El nuevo espectáculo se bautizó IMYLOH (I Musicisti y las óperas históricas). La repercusión fue notoria, tanto entre la crítica especializada como entre el público. Pero una serie de desacuerdos entre los integrantes del grupo, motivaron que en septiembre de 1967 Masana decidiera separarse, llevándose sus partituras y sus instrumentos. Inmediatamente se fueron con él Mundstock, Rabinovich y Maronna. Carlos Núñez Cortés se les sumaría un año y medio más tarde. (Haga un click aquí para leer la historia de I Musicisti tras la escisión).
Por sugerencia de Maronna, los “disidentes” adoptaron el nombre de Les Luthiers, y volvieron al Di Tella en noviembre de ese año, con el show Les Luthiers cuentan la ópera.
A fines de 1969 se sumó al grupo Carlos López Puccio. Les Luthiers adquirió así su conformación definitiva, que sólo se vería alterada por el paso de Ernesto Acher (quien se incorporó en 1971 y se retiró en 1986) y el fallecimiento de Masana, en noviembre de 1973 (con tan solo 36 años), producto de una enfermedad terminal.
Su desaparición fue un duro golpe para los luthiers. Hasta el día de hoy, en todos los programas de mano de los espectáculos del conjunto se lee: “Fundado por Gerardo Masana en 1967”.
Los años 70 fueron sumamente prolíficos para el conjunto: lanzaron cinco discos, presentaron diez espectáculos, y realizaron giras internacionales que los llevaron a Uruguay, Venezuela, España, México, Chile y Brasil, país en que presentaron un show traducido al portugués.
Los logros continuaron durante los años 80. Les Luthiers siguió sumando países a sus giras, tales como Colombia, Paraguay, Perú, Cuba, Israel y Ecuador.
En esta década el conjunto realizó además tres funciones inolvidables. La primera (1980) tuvo lugar en el Lincoln Center de Nueva York, con un espectáculo traducido al inglés.
La segunda –tal vez la más memorable- fue el 11 de agosto de 1986, día en que se presentaron en el Teatro Colón de Buenos Aires, uno de los grandes templos de la lírica mundial, lo que significó un importante reconocimiento a la trayectoria del grupo. Y dos años más tarde, el 26 de diciembre de 1988, con motivo de la celebración de los cinco años de la recuperación de la democracia en la Argentina, realizaron una actuación sobre un enorme escenario montado en las avenidas 9 de Julio y Libertador, ante más de 50.000 personas.
En 1995 asumió la representación del conjunto Lino Patalano, un reconocido productor artístico, manager de destacadas figuras, como el bailarín Julio Bocca y la actriz Norma Aleandro. Patalano dio un renovado impulso a la proyección internacional de Les Luthiers. Como consecuencia, el grupo intensificó sus giras por España y las principales capitales latinoamericanas.
El 21 de agosto de 2000 Les Luthiers volvió al Teatro Colón, con una función a beneficio del Collegium Musicum de Buenos Aires, acompañado por la Camerata Bariloche, con la que posteriormente presentaron otro espectáculo, El grosso concerto.
La abrumadora demanda de entradas de Les Luthiers en la Argentina hizo que en 2004, el conjunto buscara un lugar de mayores dimensiones para sus temporadas en Buenos Aires. Así, cambiaron al Teatro Coliseo, que fue su “sede” durante casi 30 años, por el Gran Rex, con capacidad para 3.300 espectadores (casi 1.500 más que el Coliseo). La reacción del público superó las expectativas: Ese año hicieron 43 funciones.
En enero de 2005, el grupo se presentó en el 45° Festival Nacional de Folclore de Cosquín, en la provincia argentina de Córdoba. Allí, 11.000 espectadores celebraron y aplaudieron el repertorio folclórico que Les Luthiers preparó para esa ocasión; fue otra función inolvidable para todos sus integrantes.

(info de la página web de les luthiers)

Un poco de estos genios para el fin de semana...